Es ist so viel über die Beatles
gesagt und geschrieben worden – und ihre Geschichte ist so mythisch in ihrem Schwung –, dass es schwierig ist, ihre Karriere zusammenzufassen, ohne Klischees zu wiederholen, die bereits von Dutzenden von … verdaut wurden über die Beatles geschrieben – und ihre Geschichte ist so mythisch in ihrem Schwung –, dass es schwierig ist, ihre Karriere zusammenzufassen, ohne Klischees zu wiederholen, die bereits von zig Millionen Rockfans verdaut wurden. Um mit dem Offensichtlichen zu beginnen, sie waren der größte und einflussreichste Act der Rock-Ära und führten mehr Innovationen in die Popmusik ein als jede andere Rockband des 20. Jahrhunderts. Darüber hinaus gehörten sie zu den wenigen Künstlern aller Disziplinen, die gleichzeitig die Besten in dem, was sie taten, und die beliebtesten in dem, was sie taten. Unerbittlich fantasievoll und experimentierfreudig eroberten die Beatles 1964 das internationale Massenbewusstsein und ließen die nächsten sechs Jahre nicht los. Sie blieben in Bezug auf Kreativität immer einen Schritt voraus, verloren aber nie ihre Fähigkeit, ihre immer ausgefeilteren Ideen einem zu vermitteln Massenpublikum. Ihre Vormachtstellung als Rockikonen ist bis heute, Jahrzehnte nach ihrer Auflösung 1970, unangefochten.
Es ist schwer, den Umfang der Errungenschaften der Beatles in nur ein oder zwei Absätzen zu vermitteln. Sie synthetisierten alles, was am frühen Rock 'n' Roll gut war, und verwandelten es in etwas Originelles und noch Aufregenderes. Sie etablierten den Prototyp für die eigenständige Rockgruppe, die ihr eigenes Material schrieb und aufführte. Als Komponisten waren ihr Handwerk und ihr melodischer Erfindungsreichtum unübertroffen und der Schlüssel zur Entwicklung des Rock von seinen Blues/R&B-basierten Formen zu einem Stil, der weitaus vielseitiger, aber ebenso viszeral war. Als Sänger gehörten sowohl John Lennon als auch Paul McCartney zu den besten und ausdrucksstärksten Sängern des Rock; Die Harmonien der Gruppe waren kompliziert und berauschend. Als Performer waren sie (zumindest bis Tourneen sie zermürbt hatten) aufregend und fotogen; Als sie sich ins Studio zurückzogen, waren sie maßgeblich an der Entwicklung fortschrittlicher Techniken und vielschichtiger Arrangements beteiligt. Sie waren auch die erste britische Rockgruppe, die weltweite Bekanntheit erlangte, indem sie eine britische Invasion starteten, die den Rock wirklich zu einem internationalen Phänomen machte.
Mehr als jede andere Top-Gruppe war der Erfolg der Beatles ein Fall davon, dass das Ganze mehr ist als die Summe seiner Teile. Ihr phänomenaler Zusammenhalt war zu einem großen Teil darauf zurückzuführen, dass die meisten Mitglieder der Gruppe sich kannten und etwa fünf Jahre lang zusammen in Liverpool spielten, bevor sie anfingen, Rekorde aufzustellen. Der Gitarrist und Teenager-Rebell John Lennon wurde Mitte der 50er Jahre vom Rock 'n' Roll begeistert und gründete an seiner High School die Band The Quarrymen. Etwa Mitte 1957 schloss sich den Quarrymen ein weiterer Gitarrist an, Paul McCartney, fast zwei Jahre jünger als Lennon. Etwas später gesellte sich ein weiterer Gitarrist zu ihnen, George Harrison, ein Freund von McCartney. Die Quarrymen wechselten Ende der 50er Jahre ständig ihre Besetzung und reduzierten sich schließlich auf das Kerntrio von Gitarristen, die sich als die besten Musiker und persönlich kompatiblen Personen innerhalb der Band erwiesen hatten.
Die Quarrymen änderten 1960 ihren Namen in Silver Beatles und ließen das "Silver" schnell fallen, um nur noch die Beatles zu werden. Lennons Kunstkollege Stuart Sutcliffe trat am Bass bei, aber einen festen Schlagzeuger zu finden, war ein ärgerliches Problem, bis Pete Best im Sommer 1960 dazukam. Er sprach erfolgreich für die Combo vor, kurz bevor sie für einen mehrmonatigen Aufenthalt in Hamburg, Deutschland, aufbrachen.
Hamburg war die Feuertaufe der Beatles. Die Gruppe spielte stundenlang zermürbende Sessions in einem der berüchtigtsten Rotlichtviertel der Welt und war gezwungen, ihr Repertoire zu erweitern, ihre Feinheiten zu straffen und ihre Show mit genug manischer Energie zu investieren, um die lautstarken Massen zufrieden zu stellen. Als sie Ende 1960 nach Liverpool zurückkehrten, war die Band – die früher auch in der explodierenden Liverpooler „Beat“-Szene lief – plötzlich der aufregendste Act in der lokalen Szene. Sie festigten ihre Fangemeinde 1961 mit ständigen Auftritten in der Gegend von Merseyside, meistens im legendären Cavern Club, dem Inkubator des Merseybeat-Sounds.
Sie kehrten 1961 auch für Engagements nach Hamburg zurück, obwohl Sutcliffe in diesem Jahr die Band verließ, um sich dort auf sein Kunstschulstudium zu konzentrieren. McCartney übernahm den Bass, Harrison ließ sich als Leadgitarrist nieder und Lennon hatte die Rhythmusgitarre; alle sangen. Mitte 1961 machten die Beatles (ohne Sutcliffe) ihre ersten Aufnahmen in Deutschland, als Backup-Gruppe eines britischen Rockgitarristen/Sängers aus Hamburg, Tony Sheridan. die Beatles hatten sich zu diesem Zeitpunkt noch nicht vollständig entwickelt, und diese Aufnahmen – von denen viele (darunter ein paar Tracks ohne Sheridan) erst nach dem Aufstieg der Band zum Ruhm veröffentlicht wurden – fanden ihr Talent in einem äußerst embryonalen Zustand. Der Aufenthalt in Hamburg zeichnete sich auch dadurch aus, dass er anspruchsvolle, künstlerische Fans der Beatles gewann, wie Sutcliffes Freundin Astrid Kirchherr, die sie alle (außer Best) dazu beeinflusste, ihre Tollen in den Moptops umzugestalten, die den Musikern ihr markantestes visuelles Markenzeichen gaben. (Sutcliffe starb tragischerweise im April 1962 an einer Gehirnblutung).
Gegen Ende des Jahres 1961 erregte die explodierende lokale Popularität der Beatles die Aufmerksamkeit des örtlichen Plattenladenmanagers Brian Epstein, der bald auch die Band leitete. Er nutzte seine Kontakte, um am 1. Januar 1962 schnell ein Vorsprechen bei Decca Records zu bekommen, das stark geschmuggelt wurde (einige Tracks wurden 1995 offiziell veröffentlicht). Nach wochenlangen Überlegungen lehnte Decca sie ab, ebenso wie mehrere andere britische Labels. Epsteins Beharrlichkeit wurde schließlich mit einem Vorsprechen für den Produzenten George Martin bei Parlophone, einer EMI-Tochter, belohnt; Martin unterzeichnete die Beatles Mitte 1962. Zu diesem Zeitpunkt bereitete Epstein seine Schützlinge eifrig auf nationalen Erfolg vor, indem er sie dazu brachte, ihr Aussehen zu verschönern und auf ihre Lederjacken und -hosen zugunsten von maßgeschneiderten Anzügen und Krawatten zu verzichten.
Eine weitere große Veränderung stand bevor, bevor die Beatles ihr Parlophone-Debüt feierten. Im August 1962 wurde Schlagzeuger Pete Best aus der Gruppe geworfen, eine umstrittene Entscheidung, die seither Anlass zu vielen Spekulationen gibt. Es gibt immer noch keinen soliden Konsens darüber, ob es an seiner einsamen, launischen Natur lag; die Eifersucht der anderen Beatles auf seine Popularität bei den Fans; seine musikalischen Mängel (George Martin hatte Epstein bereits gesagt, dass Best nicht gut genug sei, um auf Aufnahmen zu trommeln); oder seine Weigerung, sein Haar in Pony zu tragen. Am wahrscheinlichsten war, dass die Beatles seine Persönlichkeit einfach für unvereinbar hielten und es vorzogen, Ringo Starr (geb. Richard Starkey), einen Schlagzeuger einer anderen beliebten Merseyside-Formation, Rory Storm & the Hurricanes, anzuwerben. Starr war ein paar Wochen bei den Beatles, als sie im September 1962 ihre erste Single „Love Me Do“/„PS I Love You“ aufnahmen. Beide Seiten der 45 waren Lennon-McCartney-Originale, und das Songwriting-Team würde es tun Während der gesamten Karriere der Beatles wird ihm das meiste Material der Gruppe zugeschrieben.
Die Single, ein vielversprechendes, aber ziemlich rudimentäres Werk, bewegte sich in den unteren Rängen der britischen Top 20. Das Beatles-Phänomen setzte erst richtig ein, als „Please Please Me“ Anfang 1963 die britischen Charts anführte. Dies war der Prototyp British Invasion Single: eine ansteckende Melodie, aufladende Gitarren und geradezu überschwängliche Harmonien. Die gleichen Züge zeigten sich auf ihrer dritten 45, „From Me to You“ (eine britische Nummer eins) und ihrer Debüt-LP „Please Please Me“. Obwohl es größtenteils an einem einzigen Tag aufgenommen wurde, führte Please Please Me die britischen Charts für erstaunliche 30 Wochen an und etablierte die Gruppe als den beliebtesten Rock & Roll-Act, der jemals in Großbritannien gesehen wurde
Was die Beatles getan hatten, war, die besten Elemente des Rock und Pop, die sie liebten, zu ihrem eigenen zu machen. Seit den Tagen der Quarrymen waren sie vom klassischen frühen Rock von Elvis, Buddy Holly, Chuck Berry, Little Richard, Carl Perkins und den Everly Brothers durchdrungen; Sie hatten auch ein offenes Ohr für die Klänge der frühen 60er von Motown, Phil Spector und den Girlgroups. Was sie hinzufügten, war ein unübertroffenes Songwriting-Know-how (inspiriert von Brill Building-Teams wie Gerry Goffin und Carole King), ein forscher, gitarrenorientierter Angriff, wild enthusiastischer Gesang und die Verkörperung des jugendlichen Flairs ihrer Generation, bereit, auf die Nachkriegszeit zu verzichten Strenge und beanspruchen eine eigene Kultur. Sie waren auch in ihrem Eklektizismus unübertroffen, bereit, Anleihen bei Blues, populären Standards, Gospel, Folk oder was auch immer für ihre musikalische Vision geeignet erschien, zu machen. Produzent George Martin war das perfekte Gegenstück für die Gruppe, indem er ihre Ideen verfeinerte, ohne an ihren Kernen herumzubasteln; In der letzten Hälfte ihrer Karriere war er unverzichtbar für seine Fähigkeit, ihre Konzepte in Arrangements umzusetzen, die eine komplexe Orchestrierung, innovative Anwendungen der Aufnahmetechnologie und eine ständig wachsende Auswahl an Instrumenten erforderten.
Genauso entscheidend war, dass die Beatles niemals stehen geblieben sind und Formeln gemolken haben. Alle ihre nachfolgenden Alben und Singles zeigten bemerkenswerte künstlerische Fortschritte (allerdings nie auf Kosten eines verdammten Ohrwurms). Sogar auf ihrer zweiten LP With the Beatles (1963) war es offensichtlich, dass sich ihre Talente als Komponisten und Instrumentalisten rasend ausbreiteten, als sie immer erfindungsreichere Melodien und Harmonien erfanden und die Fülle ihrer Arrangements steigerten. „She Loves You“ und „I Want to Hold Your Hand“ etablierten die Gruppe nicht nur als populären Musik-Act, sondern als ein Phänomen, das es in der britischen Unterhaltungsbranche noch nie zuvor gegeben hat, da jede Single in Großbritannien über eine Million Mal verkauft wurde einige gefeierte nationale TV-Auftritte, Beatlemania brach Ende 1963 auf den Britischen Inseln aus, und die Gruppe erzeugte bei all ihren öffentlichen Auftritten, musikalisch oder anderweitig, Schreie und Hysterie.
Capitol, das die Aufnahmen der Beatles in den Vereinigten Staaten zunächst abgelehnt hatte, hatte es abgelehnt, die ersten paar Singles der Gruppe herauszugeben, die schließlich auf relativ kleinen amerikanischen Independents erschienen. Capitol nahm seine Option auf "I Want to Hold Your Hand" in Anspruch, das innerhalb von Wochen nach seiner Veröffentlichung am 26. Dezember 1963 an die Spitze der US-Charts stürmte. Die Fernsehauftritte der Beatles in der Ed Sullivan Show im Februar 1964 starteten Beatlemania (und die gesamte britische Invasion) in einem noch größeren Ausmaß, als es in Großbritannien erreicht hatte. In der ersten Aprilwoche 1964 hatten die Beatles die Top 5 der meistverkauften Singles in den USA; Sie hatten auch die ersten beiden Plätze in den Album-Charts sowie andere Einträge in den Billboard Top 100. Niemand hatte jemals den Markt für populäre Musik so stark dominiert; es ist zweifelhaft, dass es jemals wieder jemand tun wird. Die Beatles selbst würden mit den meisten ihrer Singles und Alben bis zu ihrer Trennung im Jahr 1970 weiterhin die Nummer eins erreichen.
So schwer es heute zu glauben ist, die Beatles wurden von Kulturkommentatoren der damaligen Zeit oft als nichts anderes als eine Modeerscheinung abgetan, die innerhalb von Monaten verschwinden würde, wenn die Neuheit nachließ. Die Gruppe stellte sicher, dass dies nicht passieren würde, indem sie Anfang 1964 A Hard Day's Night drehten, eine Filmkomödie/Musical im Cinéma-vérité-Stil, die ihr Image als "die Fab Four" zementierte: fröhlich, individualistisch, frech, lustig Jungs mit Energie ohne Ende. Auch der Soundtrack war ein Triumph, der ausschließlich aus Lennon-McCartney-Melodien bestand, darunter Standards wie die Titelmelodie „And I Love Her“, „If I Fell“, „Can’t Buy Me Love“ und „Things We Said“. Heute." George Harrisons resonante 12-saitige E-Gitarren-Leads waren enorm einflussreich; Der Film half dabei, die Byrds, damals Folksänger, davon zu überzeugen, sich voll und ganz dem Rock 'n' Roll zuzuwenden, und die Beatles (zusammen mit Bob Dylan) würden einen enormen Einfluss auf die Folk-Rock-Explosion von 1965 haben. Auch der Erfolg der Beatles hatte begonnen um den US-Markt für andere Briten wie die Rolling Stones, die Animals und die Kinks zu öffnen, und inspirierte junge amerikanische Gruppen wie die Beau Brummels, Lovin' Spoonful und andere, eine eigene Herausforderung mit selbstgeschriebenem Material zu meistern eine große Schuld an Lennon-McCartney.
Zwischen den wilden internationalen Tourneen 1964 und 1965 brachten die Beatles immer mehr Alben und Singles heraus, die die Charts anführten. (Bis 1967 wurden die britischen Alben der Gruppe oft für die Veröffentlichung in den Staaten gekürzt; als ihr Katalog auf CD übertragen wurde, wurden die Alben weltweit in ihren britischen Konfigurationen veröffentlicht.) Rückblickend haben Kritiker Beatles for Sale (Ende 1964) und beurteilt Hilfe! (Mitte 1965) als die am wenigsten beeindruckenden Bemühungen der Band. Bis zu einem gewissen Grad stimmt das. Tourneen und ein unersättlicher Markt stellten hohe Anforderungen an ihr Songwriting, und einige der Originale und Cover auf diesen Platten, obwohl sie nach den Maßstäben vieler Gruppen brillant waren, waren Füllmaterial im Kontext der besten Arbeit der Beatles.
Aber als die Gruppe auf dem Höhepunkt ihres Spiels war, drängte sie weiter nach vorne. „I Feel Fine“ hatte Feedback und brillante Gitarren-Leads; „Ticket to Ride“ zeigte, dass die Band begann, die klingenden, metallischen, kreisförmigen Gitarrenlinien zu integrieren, die von Bands wie den Byrds angeeignet würden; "Hilfe!" war ihr erster Ausbruch bekennender Lyrik; "Yesterday" beschäftigte ein Streichquartett. Insbesondere John Lennon zeigte in seinem Songwriting bei folkigen, heruntergekommenen Nummern wie "I'm a Loser" und "You've Got to Hide Your Love Away" einen dylanesken Einfluss. Und Tracks wie "I Don't Want to Spoil the Party" und "I've Just Seen a Face" hatten einen starken Country-Geschmack.
Obwohl der zweite Film der Beatles, Help!, eine viel albernere und weniger ausgeklügelte Angelegenheit war als ihr erster Spielfilm, war er auch ein riesiger kommerzieller Erfolg. Zu diesem Zeitpunkt hatten die Beatles jedoch in kommerzieller Hinsicht nichts zu beweisen; Die verbleibenden Grenzen waren künstlerische Herausforderungen, die nur im Atelier bewältigt werden konnten. Sie stiegen Ende 1965 mit Rubber Soul, einer der klassischen Folk-Rock-Platten, auf. Textlich entwickelten sich Lennon, McCartney und sogar Harrison (der jetzt selbst einige Melodien schrieb) über Jungen-Mädchen-Szenarien hinaus zu komplexen, persönlichen Gefühlen. Sie gingen auch an die Grenzen des Studio-Rock, indem sie neue Gitarren- und Basstexturen entwickelten, mit Verzerrung und Multitracking experimentierten und unkonventionelle (für Rock-)Instrumente wie die Sitar verwendeten.
So sehr Rubber Soul im Vergleich zu ihren vorherigen Alben auch ein Fortschritt war, es war nur ein Vorgeschmack auf die grenzüberschreitenden Outings der nächsten paar Jahre. Bei der Single „Paperback Writer“/„Rain“ verzichtete die Gruppe komplett auf romantische Themen, steigerte den Bass auf zuvor unbekannte Niveaus und alberte auf der B-Seite mit psychedelischen Bildern und Rückwärtstapes herum. Drogen (psychedelische und andere) befeuerten ihre bereits fruchtbare Vorstellungskraft, aber sie fühlten sich durch ihre Tourverpflichtungen kreativ behindert. Revolver, veröffentlicht im Sommer 1966, bewies, wozu die Gruppe fähig war, wenn ihr Monate im Studio zur Verfügung standen. Verschwommene harte Gitarren und dickere Gesangsarrangements bildeten das Bett dieser zunehmend bildhaften, ehrgeizigen Texte; Der Eklektizismus der Gruppe umfasste nun alles, von Mitsing-Neuheiten („Yellow Submarine“) und von Streichquartetten unterstützten Charakterskizzen („Eleanor Rigby“) bis hin zu indisch beeinflussten Echowirbeln und rückwärtsgerichteten Bändern („Tomorrow Never Knows“). Einige würden sich darüber beschweren, dass die Beatles den erdigen Felsen ihrer Wurzeln für cleveren Manierismus aufgegeben hätten. Aber Revolver wäre, wie praktisch alle Singles und Alben der Gruppe ab „She Loves You“, ein weltweiter Chartstürmer.
In den letzten Jahren war der Live-Auftritt zu einer Routineübung für die Gruppe geworden, die es satt hatte, mit Tausenden von kreischenden Fans zu konkurrieren, die die meisten ihrer Stimmen und Instrumente übertönten. Eine Welttournee im Sommer 1966 war besonders zermürbend: Die Entourage der Gruppe wurde auf den Philippinen körperlich angegriffen, nachdem die First Lady des Landes angeblich brüskiert worden war, und eine beiläufige Bemerkung von John Lennon, dass die Beatles größer seien als Jesus Christus, wurde in den Staaten aufgegriffen. was zum Verbrennen von Beatle-Platten im Bibelgürtel und zu Forderungen nach einer reuigen Entschuldigung führte. Ihr letztes Konzert dieser Amerikatournee (in San Francisco am 29. August 1966) war ihr letztes vor einem zahlenden Publikum, da die Gruppe beschloss, nicht mehr live zu spielen, um sich auf ihre Studioaufnahmen zu konzentrieren.
Dies war ein radikaler (in der Tat beispielloser) Schritt im Jahr 1966, und die Medien waren voll von Spekulationen, dass die Tat auseinanderbrechen würde, insbesondere nachdem alle vier das Ende des Jahres 1966 mit getrennten persönlichen und künstlerischen Beschäftigungen verbracht hatten. Das Erscheinen der Single "Penny Lane"/"Strawberry Fields Forever" im Februar 1967 zerschlug diese Bedenken. Die Beatles, die häufig als die stärkste Doppel-A-Seite aller Zeiten bezeichnet werden, dringen jetzt mit ihrer Verwendung von Orchesterarrangements und Mellotron in unverschämt psychedelisches Territorium vor, ohne ihr Gespür für einprägsame Melodien und sofort zugängliche lyrische Botschaften aufzugeben.
Sergeant Pepper's Lonely Hearts Club Band, veröffentlicht im Juni 1967, als der Summer of Love anbrach, war der definitive psychedelische Soundtrack. Oder zumindest wurde es damals so wahrgenommen: Nachfolgende Kritiker haben das Album als eine uneinheitliche Angelegenheit dargestellt, der durch seine brillanten, mehrspurigen Overdubs, Mitsingmelodien und märchenhaften Texte eine konzeptionelle Einheit verliehen wurde. Andere sind, wie Millionen damals, davon überzeugt, dass es den größten Triumph des Pop darstellte oder tatsächlich eine Entwicklung des Pop zur Kunst mit einem großen A. Die Musiker nahmen nicht nur alle möglichen Roots-Einflüsse auf, sondern nahmen auch indische Vibes auf Musik, Avantgarde-Elektronik, Klassik, Music Hall und mehr. Als die Beatles ihre Hippie-Hymne „All You Need Is Love“ im Rahmen einer weltweiten Fernsehsendung uraufführten, waren sie wahrlich zum Sprecher ihrer Generation gesalbt worden (eine Rolle, die sie nicht aktiv angestrebt hatten), und es schien, als könnten sie nichts falsch machen .
Musikalisch war das normalerweise auch weiterhin der Fall, aber die Stärke der Gruppe begann überraschend schnell zu bröckeln. Im August 1967 starb Brian Epstein – der im vergangenen Jahr zu selbstmörderischen Depressionen neigte – an einer Überdosis Drogen und ließ sie ohne Manager zurück. Sie machten weiter mit ihrem nächsten Filmprojekt, Magical Mystery Tour, bei dem sie selbst Regie führten; Da es ihm an Fokus oder auch nur grundlegender Professionalität mangelte, schlug der Film ein, als er im Dezember 1967 im BBC-Fernsehen uraufgeführt wurde, und gab den Medien die erste wirkliche Chance, die sie jemals hatten, die Beatles über einer Flamme zu rösten. (Ein weiterer Film, der animierte Spielfilm Yellow Submarine, erschien 1968, obwohl die Beatles wenig an dem Projekt beteiligt waren, weder in Bezug auf den Film noch auf den Soundtrack.) Anfang 1968 brachen die Beatles nach Indien auf, um einen Kurs in Transzendenz zu absolvieren Meditation mit dem Maharishi; Auch dies wurde zu einer Art Medienverlegenheit, da jeder der vier den Kurs schließlich vor seiner Fertigstellung verlassen würde.
Die Beatles nutzten ihre ungewohnte Ruhe in Indien, um eine Fülle von neuem Material zu komponieren. Allein nach musikalischem Verdienst beurteilt, war The White Album, eine Doppel-LP, die Ende 1968 veröffentlicht wurde, ein Triumph. Während sie ihre psychedelischen Instrumente weitgehend aufgegeben haben, um zum gitarrenbasierten Rock zurückzukehren, behielten sie ihren skurrilen Eklektizismus bei und erwiesen sich als Meister von Blues-Rock bis Vaudeville. Auch als einzelne Songwriter enthält es einige ihrer besten Werke (wie auch die brillante Nicht-LP-Single aus dieser Zeit, „Hey Jude“/„Revolution“).
Das Problem, zumindest in Bezug auf die langfristige Gesundheit der Gruppe, war, dass es sich hier um sehr individuelle Songs handelte, im Gegensatz zu kollektiven. Lennon und McCartney hatten lange Zeit die meisten ihrer Melodien getrennt komponiert (man kann den Komponisten fast immer am Leadsänger erkennen). Aber sie hatten sich immer gegenseitig gespeist, nicht nur um fehlende Teile und Teile zu liefern, die einen Song zur Vollendung bringen würden, sondern um einen Wettbewerbsvorteil zu schaffen, der das Beste aus dem anderen herausholen würde. McCartneys romantische Melodik und Lennons säuerlicherer, grobkörniger Witz ergänzten sich perfekt. Bei The White Album war (wenn auch nur im Nachhinein) klar, dass es jedem Mitglied mehr um seinen eigenen Ausdruck ging als um den der kollektiven Gruppe: ein natürlicher Impuls, der jedoch zwangsläufig zu Schwierigkeiten führen musste.
Darüber hinaus wurde George Harrison auch ein produktiverer und geschickterer Komponist, der seinen eigenen Melodien (die denen seiner berühmteren Kollegen fast ebenbürtig waren) eine kosmische Leichtigkeit verlieh. Harrison fing an, sich über seinen Junior-Status zu ärgern, und die Gruppe begann, sich im Studio offener zu streiten. Ringo Starr, auf dessen solides Schlagzeugspiel und gute Laune man sich normalerweise verlassen konnte (wie sich in seinen seltenen Lead-Vocals zeigte), hörte tatsächlich für ein paar Wochen mitten in den White Album-Sessions auf (obwohl die Medien dies damals nicht wussten Zeit). Auch persönliche Interessen kamen ins Spiel: Lennons Hingabe an romantische und künstlerische Beschäftigungen mit seiner neuen Freundin (und zukünftigen Frau) Yoko Ono lenkte seine Aufmerksamkeit von den Beatles ab. Apple Records, von der Gruppe Anfang 1968 als eine Art utopisches Handelsunternehmen gegründet, entwickelte sich zu einem finanziellen und organisatorischen Alptraum.
Dies waren nicht die idealen Bedingungen, um im Januar 1969 ein neues Album aufzunehmen, insbesondere als McCartney die Gruppe dazu drängte, wieder live aufzutreten, obwohl keiner der anderen besonders von der Idee begeistert zu sein schien. Sie einigten sich darauf, zu versuchen, eine "Back-to-Basics"-LP im Live-in-the-Studio-Stil aufzunehmen, wobei die Sessions für ein Fernsehspecial gefilmt wurden. Dieser Plan ging fast in die Luft, als Harrison inmitten angespannter Auseinandersetzungen die Gruppe für ein paar Tage verließ. Obwohl er zurückkehrte, wurde die Idee, Live-Konzerte zu spielen, auf Eis gelegt; Harrison engagierte den amerikanischen Soul-Keyboarder Billy Preston als eine Art fünftes Mitglied für die Sessions, sowohl um die Arrangements aufzupeppen als auch um die unangenehme Atmosphäre zu mildern. Erschwerend kam hinzu, dass die Beatles nicht viele erstklassige neue Songs hatten, mit denen sie arbeiten konnten, obwohl einige exzellent waren. Um dem Film ein angemessenes konzertähnliches Erlebnis zu bieten, kletterte die Gruppe am 30. Januar 1969 auf das Dach ihrer Apple-Zentrale in London, um eine spontane Aufführung zu liefern, bevor die Polizei sie stoppte. dies war ihr letztes Live-Konzert jeglicher Art.
Allgemein unzufrieden mit diesen Sessions Anfang 1969, blieben das Album und der Film – zunächst unter dem Titel Get Back und später als Let It Be – in der Dose, während die Gruppe versuchte, herauszufinden, wie die Projekte gemischt und verpackt werden sollten , und verteilt. Ein paar der besten Tracks, "Get Back"/"Don't Let Me Down", wurden im Frühjahr 1969 als Single veröffentlicht. Zu dieser Zeit verschärften sich die Streitereien der Beatles in einem Streit um das Management: McCartney wollte ihre Angelegenheiten sollten von seinem neuen Schwiegervater Lee Eastman erledigt werden, während die anderen Mitglieder der Gruppe einen harten amerikanischen Geschäftsmann, Allen Klein, bevorzugten.
Es grenzte daher an ein Wunder, dass das letzte von der Gruppe aufgenommene Album, Abbey Road, eine ihrer am stärksten vereinten Bemühungen war (auch wenn die Musiker zu diesem Zeitpunkt viele ihrer Parts separat aufgenommen hatten). Es enthielt sicherlich einige ihrer kompliziertesten Melodien, Harmonien und Instrumentalarrangements; es kündigte auch die Ankunft von Harrison als Komponisten an, der mit Lennon und McCartney ebenso talentiert war, als George die beiden beliebtesten Melodien des Albums schrieb, „Something“ und „Here Comes the Sun“. Die Beatles machten immer noch Fortschritte, aber es stellte sich heraus, dass dies das Ende des Weges war, als ihre geschäftlichen Streitigkeiten weiter zunahmen. Lennon, der begonnen hatte, Solo-Singles zu veröffentlichen und mit Freunden als Plastic Ono Band aufzutreten, drohte Ende 1969 mit Rücktritt, obwohl er davon abgehalten wurde, eine öffentliche Ankündigung zu machen.
Die meisten Bänder von Anfang 1969 blieben unveröffentlicht, teilweise weil das Filmmaterial für die geplante Fernsehübertragung dieser Sessions nun als Dokumentarfilm produziert werden sollte. Das begleitende Soundtrack-Album Let It Be wurde verschoben, damit seine Veröffentlichung mit der des Films zusammenfallen konnte. Lennon, Harrison und Allen Klein entschieden sich dafür, dass der gefeierte amerikanische Produzent Phil Spector zusätzliche Instrumente aufnehmen und abmischen sollte. Daher die Verwirrung, die bis heute bei den meisten Rockhörern anhält: Let It Be war zwar das letzte erschienene Beatles-Album, aber nicht das letzte, das aufgenommen wurde. Abbey Road sollte eigentlich als letztes Album der Beatles gelten; Das meiste Material auf Let It Be, einschließlich des Titeltracks (der die letzte Single sein sollte, die veröffentlicht wurde, als die Gruppe noch zusammen war), wurde einige Monate vor dem eigentlichen Beginn der Abbey Road-Sessions aufgenommen, und gut 15 Monate oder so davor seine Veröffentlichung vom Mai 1970.
Zu diesem Zeitpunkt gab es die Beatles nicht mehr. Tatsächlich hatte die Gruppe seit August 1969 keine Aufnahmen mehr als Einheit gemacht, und jedes Mitglied der Band hatte begonnen, über die Plastic Ono Band, Harrisons Tournee mit Delaney & Bonnie, Starrs Hauptrolle, unabhängig ernsthafte externe professionelle Interessen zu verfolgen im Magic Christian-Film oder McCartneys erstes Soloalbum. Die Außenwelt war sich der Schwere der Reibung der Gruppe größtenteils nicht bewusst, was es für einen Großteil der Jugend der Welt zu einem verheerenden Schock machte, als McCartney am 10. April 1970 bekannt gab, dass er die Beatles verlassen würde. (Die „Ankündigung“ tatsächlich in einer Pressemitteilung zu seinem neuen Album enthalten war, in der seine Absichtserklärung, selbstständig zu arbeiten, gewissermaßen als Abschiedserklärung diente.)
Der endgültige Schlag war anscheinend der Konflikt zwischen den Veröffentlichungsterminen von Let It Be und McCartneys Solo-Debütalbum. Der Rest der Gruppe bat McCartney, seine Freilassung bis nach Let It Be zu verschieben. McCartney lehnte ab und war zu allem Überfluss beunruhigt über Spectors Postproduktionsarbeit an Let It Be, insbesondere die Streicher-Overdubs auf „The Long and Winding Road“, die in diesem Frühjahr eine posthume Beatles-Single wurden. Obwohl McCartney einen Großteil der Schuld für die Trennung erhielt, sollte nicht vergessen werden, dass er mehr als jedes andere Mitglied getan hatte, um die Gruppe seit Epsteins Tod am Laufen zu halten, und dass jeder der anderen Beatles lange vor McCartneys Abreise damit gedroht hatte, die Gruppe zu verlassen. Im Nachhinein schien die Trennung angesichts ihrer ernsthaften geschäftlichen Meinungsverschiedenheiten und der Zunahme ihrer individuellen Interessen unvermeidlich.
So bitter die anfänglichen Schlagzeilen auch waren, die Fehden würden in den nächsten Jahren noch viel schlimmer werden. Ende 1970 verklagte McCartney den Rest der Beatles, um ihre Partnerschaft aufzulösen; Der Kampf zog sich jahrelang durch die Gerichte und machte jede Aussicht auf ein Wiedersehen der Gruppe zunichte. Auf jeden Fall baute jedes Mitglied der Band schnell eine tragfähige Solokarriere auf. Tatsächlich hätte man zu Beginn argumentieren können, dass die künstlerischen Auswirkungen der Trennung in gewisser Weise vorteilhaft waren und Lennon und Harrison die Freiheit gaben, ihre kompromisslosesten künstlerischen Statements abzugeben (Plastic Ono Band und All Things Must Pass). Insbesondere Georges individuelles Talent erhielt Anerkennung, die ihm immer entgangen war, wenn er von Lennon-McCartney überschattet wurde. Paul hatte eine viel härtere Zeit mit den Kritikern, veröffentlichte aber weiterhin einen Strom von Hit-Singles und knackte Ende 1973 mit der überaus erfolgreichen Band on the Run einen kommerziellen und kritischen Jackpot. Ringo hatte nicht den Songwriting-Scharf, um auf dem gleichen Niveau wie die anderen zu konkurrieren, aber auch er hatte in den frühen 70er Jahren einige große Hit-Singles und profitierte oft von der Unterstützung seiner ehemaligen Bandkollegen.
Doch innerhalb kurzer Zeit wurde klar, dass die Beatles ihre Differenzen nicht beilegen und wiedervereinigen würden und dass ihre Soloarbeit nicht mit dem zu vergleichen war, was sie gemeinsam schaffen konnten. Das Klischee besagt, dass die Trennung es jedem von ihnen erlaubte, seinen schlimmsten Tendenzen bis zum Äußersten nachzugehen: Lennon in Agitprop, Harrison in Holier-than-Thou-Mystik, McCartney in niedlichem Pop, Starr in Easy Listening Rock. Darin steckt eine Menge Wahrheit, aber es ist auch wichtig zu bedenken, dass am meisten ein Gefühl der Gruppeninteraktion gefehlt hat. Die kritische Parteilinie verteidigt oft Lennon als den wütenden, realistischen Rocker und McCartney als den melodischen Balladesänger, aber das ist ein Trugschluss: Jeder von ihnen war in etwa zu gleichen Teilen zu mutigem Rock und süßer Romantik fähig. Unbestritten ist, dass sie sich gegenseitig dazu angespornt haben, Höhen zu erreichen, die sie alleine nicht erreichen könnten.
Trotz regelmäßiger Gerüchte über Wiedervereinigungen in den 1970er Jahren kam kein Gruppenprojekt auch nur annähernd zustande. Es sollte hinzugefügt werden, dass die Beatles selbst bis zu einem gewissen Grad weiterhin Fehden hatten und allem Anschein nach nicht ernsthaft daran interessiert waren, als Einheit zusammenzuarbeiten. Alle Hoffnungen auf ein Wiedersehen verschwanden, als Lennon im Dezember 1980 in New York City ermordet wurde. Die Beatles setzten ihre Solokarrieren in den 1980er Jahren fort, aber ihre Veröffentlichungen wurden seltener und ihr kommerzieller Erfolg nahm allmählich ab, als Hörer ohne Erinnerungen aus erster Hand Combo schuf ihre eigenen Idole.
Die Popularität der Beatles-als-Einheit erwies sich jedoch als ewig. Dies liegt zum Teil daran, dass die Trennung der Gruppe im Jahr 1970 die Aussichten auf einen künstlerischen Niedergang effektiv kurzschloss; Das erhaltene Werk war einheitlich stark. Das liegt aber auch daran, dass die Platten der Beatles, wie alle großen Kunstwerke, eine zeitlose Pracht trugen, die immer noch neue Generationen von Zuhörern in ihren Bann zieht. So kommt es, dass Beatles-Platten weiterhin in großer Rotation im Radio gehört werden, sich weiterhin in großen Mengen verkaufen und bis heute von Rock- und Popkünstlern gecovert und zitiert werden.
Rechtliche Auseinandersetzungen bei Apple verhinderten die offizielle Veröffentlichung von bisher unveröffentlichtem Beatle-Material für über zwei Jahrzehnte (obwohl vieles davon häufig gefälscht wurde). Die Situation änderte sich schließlich in den 1990er Jahren, nachdem McCartney, Harrison, Starr und Lennons Witwe Yoko Ono ihre wichtigsten geschäftlichen Meinungsverschiedenheiten beigelegt hatten. 1994 entstand daraus eine Doppel-CD mit BBC-Sessions aus den frühen und mittleren 60er Jahren. Im folgenden Jahr wurde ein viel ehrgeizigeres Projekt in Angriff genommen: eine mehrteilige Filmdokumentation, die 1995 im Netzwerkfernsehen ausgestrahlt und 1996 unter aktiver Beteiligung der Überlebenden (in doppelter Länge) für den Heimvideomarkt veröffentlicht wurde Beatles.
Zeitgleich mit der Anthology-Dokumentation wurden 1995 und 1996 drei Doppel-CDs mit bisher unveröffentlichtem/seltenem Material herausgegeben. Zusätzlich verschönerten McCartney, Harrison und Starr (mit etwas Unterstützung von Jeff Lynne) ein paar John Lennon-Demos aus den 1970er Jahren mit overdubs to create two new tracks ("Free as a Bird" and "Real Love") that were billed as actual Beatles recordings. Whether this constitutes the actual long-awaited "reunion" is the subject of much debate. Certainly these cuts were hardly classics on par with the music the group made in the 1960s. Some fans, even diehards, were inclined to view the whole Anthology project as a distinctly 1990s marketing exercise that maximized the mileage of whatever could be squeezed from the Beatles' vaults. If nothing else, though, the massive commercial success of outtakes that had, after all, been recorded 25 to 30 years ago, spoke volumes about the unabated appeal and fascination the Beatles continue to exert worldwide.
Richie Unterberger
AllMusic.com
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